Imaginez un lit défait, jonché de bouteilles vides, de mégots et de traces d’une vie qui semble avoir explosé en plein chaos intime. Cette image, devenue mythique, a choqué le public britannique il y a plus de vingt-cinq ans. Aujourd’hui, elle revient hanter les grands espaces de la Tate Modern, mais dans un contexte radicalement transformé : celui d’une artiste qui a traversé la maladie, frôlé la mort et choisi de renaître à travers son art.
À 62 ans, Tracey Emin présente l’exposition la plus complète jamais consacrée à son parcours. Intitulée « A Second Life », elle ouvre ses portes jusqu’à la fin de l’été et réunit une centaine d’œuvres, dont certaines jamais montrées auparavant. Ce n’est pas seulement une rétrospective classique : c’est une déclaration de vie, un témoignage brut sur la façon dont la création peut devenir un outil de survie et de reconstruction.
Une artiste qui transforme la douleur en matière première
Le parcours de Tracey Emin commence loin des galeries londoniennes. Née dans une famille modeste à Margate, ville côtière du sud-est de l’Angleterre, elle quitte l’école très jeune, à seulement treize ans. Son enfance et son adolescence sont marquées par des violences sexuelles, des expériences traumatisantes qu’elle décidera plus tard de ne plus taire.
Ces blessures profondes deviennent la source vive de son travail. L’artiste refuse les métaphores policées : elle nomme, elle montre, elle expose sans filtre. Corps, sexualité, amour perdu, avortements, deuils : rien n’échappe à son regard implacable et pourtant infiniment sensible.
Le corps comme sujet et comme outil d’exploration
Dans cette exposition, le corps féminin occupe une place centrale. Il est à la fois sujet représenté et instrument de création. Les commissaires insistent sur cette dualité : le corps sert à explorer la passion, la douleur et la guérison. Une idée qui traverse toute la carrière d’Emin, mais qui prend aujourd’hui une résonance particulière après les années de maladie.
Un couloir sombre de la Tate Modern met en scène ce dialogue saisissant. D’un côté, des polaroids intimes pris il y a vingt ans, montrant un corps jeune et sain. De l’autre, des photographies récentes, sans concession, où l’on voit les marques laissées par une opération lourde : une poche de stomie, du sang, la trace visible d’une bataille contre un cancer agressif survenu en 2020.
Cette confrontation directe entre passé et présent n’est pas gratuite. Elle raconte une transformation. L’artiste ne cache rien de sa vulnérabilité actuelle. Au contraire, elle l’expose comme une preuve de survie.
« My Bed » ou le scandale qui a tout changé
Impossible d’évoquer Tracey Emin sans parler de My Bed. Présentée en 1999 lors de la finale du Turner Prize, cette installation représente un lit défait après plusieurs jours d’une dépression intense. Autour du matelas s’amoncellent bouteilles de vodka, préservatifs usagés, sous-vêtements tachés, paquets de cigarettes froissés.
L’œuvre provoque un choc immense dans l’Angleterre de la fin des années 90. On la qualifie de provocation facile, d’exhibitionnisme. Pourtant, elle cristallise parfaitement l’esprit des Young British Artists : une génération qui refuse les conventions et place l’expérience personnelle au cœur de la création contemporaine.
Aujourd’hui, revue dans le contexte de « A Second Life », My Bed apparaît sous un jour différent. Ce n’est plus seulement le cri d’une jeune femme en perdition ; c’est aussi le premier chapitre visible d’un long récit de résilience.
Une diversité de médiums au service d’une voix unique
Tracey Emin n’a jamais voulu se limiter à un seul langage artistique. L’exposition le démontre avec éclat. On passe des gigantesques couvertures brodées, où des lettres maladroites et touchantes racontent des histoires d’amour brisé, aux néons lumineux qui proclament des phrases crues et poétiques à la fois.
Il y a aussi des sculptures, des peintures, des dessins, des courts-métrages. Parmi eux, le film Pourquoi je ne suis jamais devenue danseuse (1995) reste particulièrement émouvant. On y voit l’artiste danser seule dans une pièce vide, comme pour conjurer les humiliations subies à l’adolescence. Elle cite alors les noms de ceux qui l’ont blessée, transformant la honte en acte de revanche joyeuse.
Cette multiplicité des formes n’est pas un éparpillement. Elle reflète la complexité d’une vie qui refuse les cases et les simplifications.
Une avant-garde discrète sur les questions de genre et de trauma
Dans les années 1990, aborder frontalement le viol, l’avortement ou les violences sexuelles à partir de son vécu personnel était loin d’être courant dans l’art contemporain. Tracey Emin l’a fait sans concession, et elle en a payé le prix : critiques acerbes, accusations de narcissisme, caricature de la « bad girl » alcoolique et colérique.
Avec le recul, on mesure à quel point elle était en avance. Les thèmes qu’elle portait alors sont aujourd’hui au centre de nombreux débats sur le corps, le consentement, la santé mentale et la reconstruction post-traumatique. Son courage a ouvert des portes que d’autres artistes, plus jeunes, franchissent désormais plus facilement.
La maladie comme bascule existentielle
En 2020, le diagnostic tombe : un cancer agressif. Suivent de multiples interventions chirurgicales, une stomie définitive, des mois de lutte. L’artiste l’explique sans détour : tout a changé. La peur de mourir a redessiné ses priorités.
Elle retourne vivre à Margate, là où tout a commencé. Elle arrête l’alcool, le tabac. Elle se consacre davantage à la peinture. Ses toiles récentes, toujours sombres, parfois traversées de rouge sang, laissent pourtant apparaître une dimension nouvelle : une forme de spiritualité, une quête de lumière dans l’obscurité.
Elle parle de « seconde vie ». Ce n’est pas une formule marketing. C’est une réalité qu’elle incarne chaque jour, et qu’elle offre à voir dans cette exposition.
Transmettre et soutenir la nouvelle génération
Aujourd’hui, Tracey Emin ne se contente plus de créer. Elle transmet. Elle soutient financièrement de jeunes artistes, partage son expérience, ouvre son atelier. Celle qui a grandi sans modèle artistique stable devient à son tour une figure tutélaire pour d’autres.
Ce geste de générosité complète le portrait. L’artiste qui a tant donné d’elle-même dans ses œuvres choisit aussi de donner aux autres. Une boucle qui semble boucler un cycle de vie particulièrement mouvementé.
Un honneur rare et mérité
Peu d’artistes vivants ont droit à une rétrospective aussi ambitieuse dans une institution comme la Tate Modern. Emin elle-même semble encore surprise par cet honneur. Sur les réseaux sociaux, elle écrit qu’elle célèbre « le plus grand moment de sa carrière » et qu’elle se répète sans cesse : l’essentiel est d’être encore là, vivante, capable d’assister à tout cela.
Cette gratitude sincère tranche avec l’image parfois sulfureuse qu’on lui a collée pendant des années. Elle rappelle que derrière la provocatrice se cache une femme profondément touchée par la reconnaissance de son travail.
Une invitation à regarder sans détour
« A Second Life » n’est pas une exposition confortable. Elle confronte le visiteur à la violence, à la maladie, à la perte, mais aussi à la joie brute de continuer à créer malgré tout. Elle montre qu’un corps marqué, abîmé, peut rester un lieu de création puissant.
Tracey Emin ne propose pas de réponses toutes faites. Elle pose des questions, elle expose des fragments de vie, elle laisse chacun se confronter à ses propres blessures et à ses propres renaissances possibles.
En sortant de la Tate Modern, on emporte avec soi cette certitude : l’art, lorsqu’il est aussi honnête et courageux, ne se contente pas de décorer les murs. Il sauve des vies, y compris celle de celle qui le fait naître.
Et c’est précisément cette force vitale qui rend cette rétrospective inoubliable.
« Peu importe mon apparence après la maladie, l’essentiel c’est que je ne sois pas morte, que je sois là pour en être témoin, en profiter. »
Cette phrase, écrite par l’artiste elle-même, pourrait servir de fil rouge à toute l’exposition. Elle résume une vie dédiée à transformer la souffrance en beauté, le chaos en sens, la fin en nouveau commencement.
Si vous passez par Londres d’ici la fin août, prenez le temps de pousser la porte de la Tate Modern. Vous n’en ressortirez pas indemne, mais sans doute un peu plus vivant.
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