Imaginez-vous déambuler dans une salle immense, où des sculptures géantes et colorées dansent presque sous vos yeux, tandis qu’à côté, des machines bruyantes et absurdes s’animent dans un joyeux chaos. C’est l’expérience que propose une nouvelle exposition parisienne, dédiée à deux figures emblématiques de l’art du XXe siècle. À travers leurs œuvres audacieuses, ces artistes ont défié les conventions, mêlant provocation, humour et une profonde réflexion sur la société. Leur histoire, faite de complicité et de créativité débridée, prend vie dans un espace rénové, prêt à accueillir les curieux du monde entier.
Une plongée dans l’univers de deux rebelles de l’art
À partir de ce vendredi, Paris célèbre la radicalité joyeuse de deux artistes hors normes, dont les créations ont marqué l’histoire de l’art contemporain. L’exposition, installée dans les galeries fraîchement rénovées d’un lieu iconique à la grande verrière, s’étend sur 2 000 m² et réunit environ 200 œuvres. Sculptures monumentales, installations interactives, tableaux explosifs et archives rares, comme des lettres illustrées, composent ce voyage immersif. Cette initiative marque également une collaboration inédite avec un grand musée parisien, actuellement en travaux, dont les collections voyagent pour l’occasion.
Des Nanas aux Tirs : l’art explosif d’une pionnière
L’une des premières œuvres à capter l’attention est une sculpture noire, baptisée Black Rosy (1965). Cette figure féminine, imposante et expressive, incarne l’engagement d’une artiste face aux enjeux de son époque. Selon Sophie Duplaix, conservatrice en chef et commissaire de l’exposition, cette pièce reflète une ouverture aux questions sociétales, notamment la place des femmes et des minorités dans la société. À ses côtés, d’autres sculptures attirent le regard : un couple étrange, vêtu de vêtements élégants mais difformes, promène une araignée géante, symbole des relations complexes avec la figure maternelle.
« Les Nanas sont une célébration de la féminité, mais aussi une critique des stéréotypes imposés aux femmes. »
Sophie Duplaix, conservatrice
Un autre temps fort est la série des Tirs, des tableaux créés dans les années 1960. L’artiste y fixait des poches de peinture, des œufs ou même des tomates sur des panneaux recouverts de plâtre blanc. Elle les perforait ensuite à la carabine, laissant la couleur s’écouler en coulées spectaculaires. Ces œuvres, à la fois violentes et libératrices, critiquent l’art traditionnel tout en réinventant le geste créatif. En s’appropriant un outil associé à la masculinité, l’artiste affirme une puissance féminine inédite.
Les machines inutiles : une satire du progrès
À quelques pas, les créations de l’autre protagoniste de l’exposition captivent par leur mouvement incessant. Ses machines inutiles, assemblages de pièces métalliques, d’objets récupérés et de moteurs, s’animent dans un vacarme ludique. Parmi elles, L’Enfer (1984) impressionne par sa taille et sa complexité. Cette plateforme géante met en scène des sculptures sonores et des objets du quotidien, critiquant avec ironie la mécanisation effrénée des décennies d’après-guerre. Ces œuvres, à la fois absurdes et poétiques, interrogent la notion de progrès et de productivité.
Pour mieux comprendre cet univers, l’exposition propose des films d’archives, dont un retraçant les obsèques de l’artiste suisse en 1991, à Fribourg. Cet événement, suivi par 10 000 personnes, ressemble à une performance artistique, avec fanfares et automates en mouvement. Ce moment illustre l’esprit de cet homme, pour qui l’art était une célébration de la vie, même dans la mort.
Un duo inséparable, une complicité créative
Leur rencontre en 1956 marque le début d’une relation intense, à la fois amoureuse et artistique. En 1960, ils s’installent ensemble dans un atelier du sud de Paris, non loin de celui du célèbre sculpteur Brancusi. Plus tard, ils déménagent dans une ancienne auberge en Essonne, transformée en espace de création. Leur collaboration est faite de défis constants : l’un inspire l’autre, repoussant sans cesse les limites de l’art.
Quelques étapes clés de leur collaboration :
- 1956 : Première rencontre, début d’une amitié créative.
- 1960 : Installation commune à Paris, intensification des projets.
- 1965 : Création des premières Nanas et des machines cinétiques.
- 1984 : Réalisation de L’Enfer, une œuvre monumentale.
Après le décès de son compagnon en 1991, la Franco-Américaine lui rend hommage à travers une série de tableaux éclatés. Ces œuvres, exposées dans la dernière salle, intègrent des mécanismes qui font s’assembler et se désassembler des éléments peints. Ce travail, à la fois émouvant et vibrant, témoigne de leur lien indéfectible.
Pontus Hulten : le visionnaire derrière l’exposition
Au cœur de ce projet se trouve la figure de Pontus Hulten, premier directeur du musée d’art moderne d’un grand centre culturel parisien. Ami proche des deux artistes, il a joué un rôle clé dans la reconnaissance de leur travail. En favorisant l’acquisition de leurs œuvres par des institutions et en organisant leurs premières grandes rétrospectives dans les années 1980, Hulten a partagé leur vision utopique de l’art comme acte de rébellion.
C’est aussi grâce à lui que l’une des œuvres les plus ambitieuses du duo, Le Cyclop, a pu être achevée après 1991. Cette sculpture monumentale, un monstre de métal abritant des espaces visitables, incarne l’audace et la démesure de leur démarche. Aujourd’hui encore, elle reste un symbole de leur héritage.
Un message intemporel
Ce qui rend cette exposition si captivante, c’est sa capacité à faire dialoguer passé et présent. Les œuvres exposées, qu’il s’agisse des sculptures féministes de la Franco-Américaine ou des machines critiques du Suisse, résonnent avec les débats actuels sur le genre, la société de consommation et la place de l’art. Leur radicalité joyeuse invite à repenser les normes et à célébrer la créativité sans entraves.
| Œuvre clé | Année | Signification |
|---|---|---|
| Black Rosy | 1965 | Célébration de la diversité féminine |
| Tirs | 1961 | Critique de l’art traditionnel |
| L’Enfer | 1984 | Satire de la société industrielle |
En parcourant les salles, on ressent l’urgence de leur message : l’art n’est pas un simple ornement, mais un moyen de questionner, de provoquer et de rêver. Cette exposition est une invitation à voir le monde à travers leurs yeux, à oser la liberté qu’ils ont embrassée avec tant de fougue.
Pourquoi visiter cette exposition ?
Si vous êtes de passage à Paris ou que vous cherchez une expérience culturelle marquante, cette exposition est incontournable. Elle offre une rare opportunité de découvrir des œuvres emblématiques, mais aussi des archives inédites, comme des films et des lettres qui plongent dans l’intimité de ces deux artistes. Voici trois raisons de ne pas la manquer :
- Un voyage immersif : Les 2 000 m² d’exposition, avec des installations interactives, créent une expérience sensorielle unique.
- Une réflexion actuelle : Les thèmes abordés, comme le féminisme ou la critique du progrès, résonnent avec les enjeux d’aujourd’hui.
- Un hommage à la créativité : Le duo inspire par sa liberté et son audace, incitant à repenser l’art et la société.
Cette célébration parisienne n’est pas seulement une rétrospective : c’est une invitation à redécouvrir l’art comme un espace de jeu, de révolte et de rêve. En quittant les lieux, une question persiste : comment leur esprit rebelle pourrait-il nous inspirer aujourd’hui ?
